Tag: musica

  • “What was I made for?”: the song that won the Oscar

    “What was I made for?”: the song that won the Oscar

    On May 11th the Billie Eilish’s song (what was I made for) won the Oscar as “Best Original Song”, this is the second Oscar that Billie  has won (she also won an Oscar in 2022 as best original song with “No Time To Die” from the homonym film of James Bond).

    The meaning of What was I made for? is enclosed in the title. It can represent Barbie’s spiritual journey to discover herself in the real world while she is living it herself, or it can be a hymn to Billie’s personal struggles to clarify what her purpose in life is, linked to his passion for writing and music creation. She initially stated that she had not thought about herself during the song-writing process, but later came to the realization that she had unknowingly included her story.

    To Allure Billie explains:

    It was as if this song was a tiny creature inside of me for years, scratching the inside of me. As soon as we got that prompt, the creature was like, ‘Okay, I’m out’. We wrote it in a period of time where we couldn’t have been less inspired and less creative. That day we were making stuff, and were like, ‘We’ve lost it. Why are we even doing this?’ And then those first chords happened and I used to float, now I just fall down came out and the song wrote itself.

    The “floating” lyric is referred to the film Barbie, where Barbie can’t float anymore so she “fall down”, it also holds a deep meaning for Billie, because it reflecting how she feels about navigating fame from a young age.

    While on one level, this lyric could refer to Ken’s inability to understand Barbie in the movie, it’s also about the sadness and loneliness that can arise when people, even loved ones, don’t truly see you and understand your feelings.

    “I … remember being like, ‘How is anyone going to know what this means? It doesn’t explain itself. No one’s going to understand it,’ Billie said. “And that was the first lyric that people understood. And I felt so heard, and related to.”

    According to some of the comments on the official music video on YouTube, “What Was I Made For?” had a profound impact on fans of all ages and walks of life:

    This song asks the question that I have (struggled) with for all of my 68 years,” another person commented. “I thought I had the answer several times, only to realize that it slipped through my fingers yet again. Ms. Eilish, your vocals here are a perfect fit for the emotion of the words and music you’ve written.

    In the music video Billie is taking from a dark box some clothes (we can say that they are her old clothes that she has worn in the past), then all is interrupted by the rain, the meaning is: “The world is falling apart while I try to keep all the old versions of myself safe”.

    Antonio Cinquegrana

    II A Linguistico

  • Loredana Bertè: il coraggio di non piacere

    Loredana Bertè: il coraggio di non piacere

    Solo le persone coraggiose sono capaci di essere se stesse e Loredana Bertè, al Festival di Sanremo, ha dimostrato di esserlo.  Lei, famosissima cantautrice ed attrice, è sempre stata una donna trasgressiva e fuori dagli schemi, impermeabile alle critiche. Quest’anno al Contest della canzone italiana, infatti, non ha deluso le aspettative: capelli blu elettrico, minigonna e carattere da vendere. La canzone che Loredana Bertè ha cantato a Sanremo è un inno all’amore verso se stessi e alla libertà di essere se stessi. La Bertè, con la sua canzone intitolata “Pazza”, è riuscita a trasmettere a noi giovani l’audacia di andare oltre le convenzioni. Tanti gli spunti di riflessione che nascono dal testo della canzone.

    “Sono pazza di me

    Sì perché mi sono odiata abbastanza”

     

    Quante volete ci siamo guardati allo specchio senza che ci piacesse veramente quello che vedevamo? Quante volte ci siamo preoccupati troppo del giudizio degli altri? Quante volte avremmo voluto zittire le opinioni non richieste e le critiche pungenti?

    Loredana Bertè non cerca l’approvazione degli altri e invita tutti a vivere liberi dai pregiudizi e a non lasciarsi intrappolare dalle catene dell’ipocrisia.

    “Prima ti dicono basta sei pazza e poi

    Poi ti fanno santa

    Io cammino nella giungla

    Con gli stivaletti a punta

    E ballo sulle vipere”

    La cantante, che con questa canzone si è aggiudicata il premio della critica “Mia Martini” , durante un’intervista ha affermato:

    «Io di solito mi odio abbastanza, ma ultimamente invece mi amo disperatamente. Essere normali per me oggi è la più grande trasgressione».

    Cosa possiamo intendere con il concetto di “normalità”? Chi è che decide ciò che è normale e ciò che non lo è?

    Ogni persona è unica e tutti dovrebbero essere fieri della propria autenticità!

     

    Emilia Esposito 2Asp

  • Did you know that there’s a tunnel under ocean Blvd?

    Did you know that there’s a tunnel under ocean Blvd?

    A few days ago, the Recording Academy (Grammy’s) made public the nominations of the music albums that could win the Grammy’s Award for best album of the year. In the nomination, we can see the album of Lana Del Rey “Did you know that there’s a tunnel under ocean Blvd” that is a plea for self-confidence. This really comes through in the line, “love me until I love myself”. This metaphor around the spectacularly crafted tunnel under Ocean Blvd.

    Central Lana Del Rey on X: "Lana Del Rey interpreta as atrizes Marilyn Monroe, Veronica Lake e Elizabeth Short no Videoclipe de “Candy Necklace” Como Veronica Lake, ela está caracterizada da atrizThe title is a reference to the “forgotten” Jergings Tunnel, located under Hollywood Boulevard, which was closed during the 1960s. The album consists of sixteen tracks, including fourteen songs and two interludes. In an interview conducted by Billie Eilish for Interview, the singer revealed that she wanted the music for the album to have “a spiritual element”.

    Many fans of the artist are so excited ‘cause, despite being a very good singer, she has never won any important awards and has always been overlooked, in facts we can see it in the music video of “Candy Necklace” where the singer dresses up as Marilyn Monroe and Elizabeth Short, they had both changed their name and their hair just like Lana did, and she said:

     

    “It’s as if both of them have fallen into their own holes. So, the point is this: how do you not fall down doing your job?”

    The song is about her toxic love: he’s not reliable in terms of romance due to his reckless nature. The second verse indicates that he has been abusive towards Del Rey and even caused her to feel the urge to end it all. At first, it seemed like their relationship was great, but then the guy started to treat her like a piece of trash and it’s really affecting her mind.

    One of the “scariest” tracks is: “Judah Smith Interlude”, which is a recording of one of the pastor’s sermons, he’s a homophobic and bigot pastor and that scared most fans of the artist. Furthermore, this track follows “A&W” which is an abbreviation of “American Whore” that talks about her life, from childhood until today like her relationship with her mother, her appearance as a sexy woman and her relationship with sex, so “Judah Smith Interlude” plays as wholly ironic. Lana Del Rey is the type of person who would go to a mega-church with celebrities, both for soul cleansing and to mock its flamboyant nature with her friends. She’s doing exactly that with this song; throughout Smith’s sermon, Lana and her friends can be heard laughing as Smith winds around his point. Other times, she can’t help but express her distaste for Smith’s cringe-worthy absurdity. Smith’s cringy absurdity is something she can’t help but hold back from.

    An interesting track of this album is “Fingertips” that was called, by the million fans, a “lullaby by an angel” and it doesn’t have any refrain. The song title comes from the first verse where Lana Del Rey longs to express the intricacies of her work without being misinterpreted; the third verse finds Del Rey pondering whether she will ever have children and if she could nurture and raise them; As the song draws to a close, Del Rey reflects on her childhood in Lake Placid, New York, and a boy named Aaron Greene with whom she once dreamed of starting a family; In the final verse, Del Rey takes a deep breath and puts aside painful memories of him.

    Antonio Cinquegrana

    IIA linguistico

  • LA FRAMAKA ARTIST A VILLA PARNASO: UNA COMPAGNIA CHE NON SMETTE DI SORPRENDERCI

    LA FRAMAKA ARTIST A VILLA PARNASO: UNA COMPAGNIA CHE NON SMETTE DI SORPRENDERCI

    Ieri 19 giugno la soleggiata Villa Parnaso ha ospitato la prima edizione del Festival della Gentilezza, evento che si terrà fino al giorno 21 giugno e al quale parteciperanno scuole e associazioni locali. Spettacoli del genere sono sicuramente molto importanti per il nostro territorio, dato che costituiscono un vero e proprio intrattenimento per i cittadini e ci aiutano a recuperare la spensieratezza perduta durante la pandemia, ma lo sono ancor di più perché ci permettono di conoscere  nuovi talenti.

    E’ il caso infatti del quartetto di giovani cantanti e artisti, composto da Maria di Leva, Francesco Balzano, Aurora Caso e la giovanissima Claudia Cocchiarella (alunna del nostro liceo),  membri della compagnia teatrale Framaka Artist, che nonostante alcuni problemi di organizzazione, a causa dei quali il Festival è stato spostato di circa due ore, hanno dato l’importante sprint iniziale alla serata. Il repertorio con cui si sono esibiti vantava brani che costituiscono la base di una buona cultura musicale, quali “Mi sei scoppiato dentro al cuore”, “Hallelujah”, “Shallow, “I don’t wanna  be you anymore” , “Rolling in the Deep”, “Caruso” e “Stand by me”, eseguita addirittura a cappella.

    Oltre ad aver portato il meglio della musica italiana ed estera sul palco di Villa Parnaso, il merito principale di questi ragazzi, insieme ai più meritati complimenti per la loro performance, riguarda la professionalità con la quale sono riusciti a gestire vari problemi tecnici e gli schiamazzi delle persone meno rispettose. Ma se da un lato assistevamo alla scarsa correttezza di alcuni, dall’altro c’erano persone di ogni età totalmente estasiate dalle loro voci, tant’è che qualche vecchietta più intraprendente sgomitava tra la folla per poter registrare col cellulare l’esibizione.  Per la fortuna di coloro che li hanno particolarmente apprezzati, se hanno desiderio di coltivare un loro talento e crescere a livello artistico, a settembre potranno tranquillamente recarsi ai casting della compagnia di cui il quartetto fa parte. Di associazioni del genere Torre Annunziata ha veramente bisogno, perché stimolano la fantasia delle persone e mostrano ai ragazzi che non si deve mai smettere di sognare e di credere in se stessi. Non a caso, la Framaka Artist si dedica in maniera eccellente a ciò.

    Questa compagnia teatrale aveva già stupito il pubblico oplontino con il musical “C’era una volta”: questa nuova esibizione può essere considerata come un’ulteriore conferma della bravura di questi ragazzi, che sicuramente non mancheranno di stupirci ancora in futuro.

      Chiara Cinquegrana IVAC

  • MANESKIN: LA RIVOLUZIONE DELLO STILE

    MANESKIN: LA RIVOLUZIONE DELLO STILE

     

    Damiano David, Victoria De Angelis, Thomas Raggi e Ethan Torchio sono i nomi che compongono il gruppo musicale rock italiano che ha spopolato soprattutto in seguito alla vittoria della 71esima edizione del Festival di Sanremo con il brano intitolato “Zitti e buoni”.
    La band si è formata a Roma nel 2016 ed ha ottenuto visibilità dopo essersi classificata seconda all’undicesima edizione del talent show X-Factor.
    Il nome del gruppo deriva dal danese, lingua d’origine della bassista Victoria, e significa “chiaro di luna”; si dice che sia stato scelto per caso e che li abbia attratti il suono che emana la parola “måneskin”.
    Con il singolo che li ha portati alla vittoria, avranno l’opportunità di partecipare all’Eurovision Song Contest 2021; ascolteremo, però, una versione modificata rispetto all’originale, in quanto la canzone deve rientrare nella durata prestabilita di tre minuti e non deve contenere parole poco consone.
    Il più grande sogno della voce principale del gruppo, Damiano, era quello di attuare una rivoluzione dello stile, e può finalmente affermare di esserci riuscito alla grande!
    La band ha ricevuto il supporto di grandi figure musicali come Vasco Rossi e Manuel Agnelli, il quale li ha accompagnati durante la serata delle cover con la canzone “Amandoti” e li ha guidati come mentore ad X-Factor; non sono, però, mancate le critiche da parte di personaggi come Morgan, che ha definito la loro musica ed esibizione un Carnevale.
    Lo scopo di tale rivoluzione mira a promuovere valori che stanno molto a cuore alla band: libertà, ribellione e anticonformismo. Infatti questi valori vengono manifestati non solo attraverso la loro musica , ma anche attraverso lo stile e l’abbigliamento, i quali hanno sollevato innumerevoli critiche poiché non rispettano determinati canoni. In effetti questi giovani ragazzi si presentano sul palco con ombretti scuri e smalto, con tute sfarzose, pantaloni in pelle e pellicce leopardate, andando, così, a demolire tutti gli stereotipi maschilisti che considerano queste cose prettamente femminili. A causa di ciò è stato più volte messo in discussione l’orientamento sessuale del cantante, il quale ha affermato che la sua eccentricità non ha nulla a che fare con la sua eterosessualità.
    I Maneskin con il loro stile, la loro caparbietà e voglia di spaccare il mondo dovuta alla loro giovane età, hanno voluto attuare una rivoluzione, alla quale la nuova generazione, affidandogli la vittoria a Sanremo, ha dimostrato di voler diventare parte integrante di essa.

    CIRILLO MICHELA

    D’AVINO FRANCESCA

    IV E SCIENTIFICO

  • EMANUELE ALOIA: ARTE E POESIA PER PARLAR D’AMORE

    EMANUELE ALOIA: ARTE E POESIA PER PARLAR D’AMORE

    CHI È?

    Emanuele Aloia, giovane cantautore, trasmette le sue emozioni attraverso la musica. Compone dall’età di 13 anni, ma il successo l’ha raggiunto con “Il Bacio di Klimt” che è entrato nella Top Viral 50 di Spotify.

    Da sempre appassionato di arte e letteratura, nonostante la sua giovane età. Esprime il suo mondo attraverso melodie, che suscitano immense emozioni. È una risposta a coloro che definiscono i giovani “schiavi dei social” e incapaci di amare tutto ciò che concerne la cultura.

    ARTE E POESIA NELLE SUE CANZONI

    Il Bacio di Klimt

    Chiari i riferimenti all’arte e alla poesia nelle sue canzoni. Ne “Il bacio di Klimt” il giovane Aloia tratta il tema della solitudine e il senso di vuoto che si prova distanti da una persona pur provando, per questa, sentimenti molto forti. Le sue emozioni vivono attraverso poesie e quadri famosi.

    La solitudine diventa l’“Assenzio” di Degas.

    La ragazza amata diventa “tu che eri come colori e forme per Cézanne”.

    La lontananza dalla persona amata diventa “Ho sceso, dandoti il braccio, almeno un milione di scale…”, di Eugenio Montale.

    “Siamo eterni come il Bacio di Klimt” ci proietta direttamente nel mondo dei due amanti stretti in quel loro abbraccio e in quel loro bacio che li unisce per l’eternità.

     “Tutti i girasoli adesso son fiori del male” rimanda alla raccolta di Baudelaire, nella quale i fiori sono la bellezza che solo l’arte sa realizzare e il male è il degrado della società.

    Girasoli

    È proprio al brano “Girasoli”, pubblicato precedentemente, che Aloia si riferisce quando parla dei girasoli visti come fiori del male…

    Come egli stesso afferma sul suo profilo Instagram, “Il fiore più romantico non è la rosa. Il fiore più romantico è il girasole, perché ha gli occhi solo per il sole. Passa tutta la sua vita a guardarlo, senza mai stancarsi, nonostante abbia la consapevolezza che non potrà mai appartenergli”.

    Naturalmente, anche qui non mancano riferimenti al mondo artistico. Ed ecco: i Girasoli di Van Gogh, I due Amanti di René Magritte, i fiori di Monet, Salvador Dalì e Stonehenge.

    L’urlo di Munch: nuovo brano in arrivo!

    Sul suo profilo Instagram Aloia dice: “C’è un’opera che fin da piccolo mi ha sempre affascinato, ogni volta sfogliavo le pagine del mio libro di arte e mentre la prof spiegava io la guardavo stregato chiedendomi che suono avesse quel grido: assordante, stridulo o addirittura armonioso. Mi sarebbe piaciuto riuscire a sentirlo. […] Oggi sono qui e riguardandolo in questi giorni riesco a sentire per la prima volta una voce, ed è la mia. […] Dare una melodia all’arte che si è sempre potuta basare principalmente sull’aspetto visivo. Il suono che ho dato all’urlo è l’ossimoro di ciò che probabilmente stiamo vivendo in questo momento storico. Ho provato a trasformare l’angoscia che sentiamo in speranza, in felicità.”.

    È l’urlo di Munch, un brano sicuramente strepitoso, disponibile dal 29 gennaio 2021.

  • “Persona”: l’album che potrebbe cambiare il modo di far musica

    “Persona”: l’album che potrebbe cambiare il modo di far musica

     

    La Fimi (acronimo di Federazione Industria Musicale Italiana), in questi giorni, ha reso nota la classifica degli album più venduti in Italia. Una svolta sensazionale per il Rap, genere preferito da noi ragazzi, che negli ultimi anni ha avuto una crescita esponenziale di ascolti. Troviamo, infatti, ben sette album tra i primi 10 che sono rap (quattro in più del 2019). L’album “Persona”, uscito il 31 ottobre 2019, di Fabio Bartolo Rizzo, in arte Marracash, ha ottenuto la prima posizione diventando, dunque, l’album più ascoltato del 2020.

    Il rapper, di origini siciliane, ha dimostrato che i contenuti sono ancora di vitale importanza nella musica, anche se in questi ultimi anni l’arrivo della trap, sottogenere musicale del rap, aveva esaltato l’orecchiabilità di una canzone ai danni del testo.

    Ma  vediamo perché “Persona” ha avuto tutto questo successo, arrivando a superare i “big contemporanei” della musica italiana come Tiziano Ferro, Ligabue…

    Innanzitutto, questo è stato l’anno degli streaming; infatti, a causa del covid, le copie fisiche sono diminuite radicalmente a vantaggio degli artisti che sono più “vicini” ai ragazzi che ascoltano musica online.

    Inoltre l’album di Marracash è  rivoluzionario. Il nome stesso dell’album mette in evidenza l’artista come persona; egli però evidenzia due prospettive di persona: la persona in sé e il personaggio visto dagli altri. Questo concetto è sintetizzato nella prima canzone dell’album: “Body parts- i denti”, che termina con:

     

    “Tu insegui un sogno disperato, questo è il tuo tormento

    Tu vuoi essere, non sembrare di essere

    Ma c’è un abisso tra ciò che sei per gli altri e ciò che sei per te stesso

    E questo ti provoca un senso di vertigine per la paura di essere scoperto

    Messo a nudo, smascherato

    Poiché ogni parola è menzogna

    Ogni sorriso, smorfia e ogni gesto, falsità”

     

    È proprio questo divario tra sembrare ed essere che ha ispirato l’artista, regalando un capolavoro alla musica italiana.

    Un album completo con una grandissima varietà di argomenti, che regala intensi momenti di riflessione.

    Brani come “Crudelia- I nervi” che parla di amore tossico oppure come “Quelli che non pensano- Il cervello” che  riflette sul peggioramento delle generazioni con il tempo, aggiungono alla musica un pensiero critico sull’attualità, carente, di solito, in noi ragazzi.

     

     

    “Mi hanno insegnato a non odiare i miei nemici

    Ma non ne avevo mai amato uno (ma non ne avevo mai amato uno)

    Quando ci siamo conosciuti, si sapeva già che uno dei due avrebbe perso

    Ma come potevo vincere con te? (come potevo vincere con te?)

    Non provi niente, sei un rettile vestito da essere umano (sei un rettile vestito da umano)

    Quello che hai fatto a me e quello che hai fatto a te stessa

    Lo farai a tutti e per sempre perché sei un buco nero

    Perché questa è la tua natura (perché questa è la tua natura)

    Ma io ho smesso di essere una tua vittima, tu non smetterai mai di esserlo

    Non ammetterai mai chi sei (non ammetterai mai chi sei, non ammetterai mai chi sei)”

    (Outro di Crudelia-I nervi)

     

     

     

    “Yeah, siamo passati da quelli che ben pensano

    A quelli che non pensano”

    (intro di “Quelli che non pensano-Il Cervello feat. Coez)

    Sono usciti, inoltre, diversi album come ad esempio Gemelli di Ernia oppure Vita Vera di Tedua che sono stati strutturati con lo stesso ideale di “Persona”, ossia regalare “musica intelligente”.

    La speranza è che la musica continui a regalarci messaggi come questi e che “Marra”, con questo album, possa ispirare diversi artisti e allontanare i giovani da una musica che lancia solo messaggi devianti, esaltando le  droghe o la criminalità.

     

  • Ludwig van Beethoven: 250 anni in compagnia del suo genio

    Ludwig van Beethoven: 250 anni in compagnia del suo genio

    Il 16 dicembre del 1770, circa 250 anni fa, nasceva Ludwig van Beethoven, grande compositore della musica classica nonché maggiore esponente della corrente del Romanticismo.  Le sue composizioni, perlopiù pezzi molto drammatici, sono considerate  veri e propri capolavori; Beethoven, con il suo genio, è riuscito ad imprimere un emblematico sigillo alla tradizione colta della musica occidentale.

     

    Fu un compositore capace di  trasformare progressivamente in senso “moderno” tutte le forme musicali, nella struttura e nella sostanza, dalla sinfonia alla sonata, dal concerto al quartetto di archi; da questo punto di vista, infatti, rappresentò un modello di riferimento per i musicisti successivi. Perciò, a ragione, Beethoven viene per l’appunto definito come il “Titano della musica”.

     

    Fu attento lettore della letteratura e della filosofia del suo tempo, ma anche del periodo classico: “Plutarco mi ha consolato e mi ha ispirato la rassegnazione. Sono fermamente risoluto a contrapporre alle avversità del destino un’anima forte, anche se vi sono dei momenti in cui io sono la creatura più disgraziata del mondo”, sosteneva Beethoven.

    Le sue opere più celebri, dall’Eroica all’Inno alla gioia sono tardive e composte in circostanze del tutto sorprendenti, ovvero a 26 anni quando il musicista aveva ormai perso l’udito divenendo totalmente sordo. L’artista tentava di nascondere questa sua malattia dal momento che temeva che essa potesse compromettere la sua carriera; questo giustifica il fatto che molto spesso Beethoven veniva considerato come una persona schiva e con caratteri di misantropia.

    Ascoltando una composizione di Beethoven, si avverte quanto questa forma d’arte sia davvero sublime e quanto lui avesse ragione nel sostenere che “la musica costituisce una rivelazione più alta di qualsiasi filosofia”. La sonata per pianoforte n°8, definita anche “Patetica”, che io amo suonare, riesce ad imprimermi forza e, allo stesso tempo, ad alleggerirmi l’animo e a proiettarmi in una dimensione superiore. Come Beethoven stesso affermava, “ogni vera creazione d’arte è indipendente da colui che l’ha realizzata, più potente dell’artista stesso e ritorna al Divino attraverso la sua manifestazione. In questo è un tutt’uno con l’uomo che è testimone dell’espressione del Divino in sé”.

  • La nuova musica livestream

    La nuova musica livestream

    Questo 2020 ha impedito a tutti noi di vivere in serenità a causa della ormai tristemente nota situazione pandemica. Nonostante tutto, in un clima così teso e inquieto, ciò che ha potuto darci forza e sostegno è stata la musica. Essa non si è mai fermata perché è vita, movimento, crescita, ma purtroppo ha dovuto subire tristi cambiamenti. In questi mesi il mondo della musica si è trasformato completamente, costringendo cantanti e musicisti ad esercitare la propria arte solo all’interno di uno studio, registrando brani in grado di allietare gli ascoltatori, in modo da mantenere vivo lo spirito della musica. Infatti anche chiusi nelle nostre case siamo riusciti a valorizzare il suo potere catartico che, anche solo attraverso la riproduzione di una playlist, riesce a farci sentire più sereni e liberi dalle tensioni. Gli sbalzi d’umore che stanno dominando le nostre giornate trovano spesso una condizione di pace interiore grazie alla musica. C’è qualcosa però che ci manca davvero tanto e che non potrà mai essere sostituito con l’ascolto da casa: la musica live. Infatti i concerti si sono spostati dalle sale, dagli stadi e dai teatri agli schermi di smart TV, computer e tablet. Gli artisti organizzano spettacoli e festival livestream e il pubblico, attraverso l’acquisto di un biglietto online, può assistere all’esibizione di un cantante che lo appassiona, stando seduto sul divano di casa propria. Da Billie Eilish a Dua Lipa, da Andrea Bocelli ai Negramaro, sono stati veramente tanti gli artisti che, impossibilitati ad esibirsi live e a spostarsi in giro per il mondo con le loro tournèe, hanno scelto di organizzare per i fan dei concerti virtuali, servendosi delle numerose piattaforme che offrono un servizio di livestreaming. Uno spettacolo organizzato così, per quanto riesca bene, non si può tuttavia paragonare ad uno in presenza. Ascoltare i nostri artisti preferiti dal vivo, vederli salire sul palco e intonare le nostre canzoni del cuore, percepire l’adrenalina da platea, registrare quei momenti per renderli indimenticabili e condividere l’esperienza insieme a centinaia, migliaia, di fan come noi, è un’esperienza unica e inimitabile che lascia ricordi ed emozioni che non si possono sostituire. Per noi adolescenti queste sono le esperienze che contano di più e che maggiormente riescono a farci sentire bene, forti, completamente al settimo cielo. Al concerto del tuo cantante preferito, ci sembra di avere tutto ciò che di più bello possa capitare, vivendo uno dei sogni che credevamo irrealizzabili.

    Adesso siamo in uno dei più bei periodi dell’anno, quello natalizio, ma purtroppo questo non sarà un Natale come da tradizione. Come tutti i consueti eventi affollati delle festività del mese di dicembre, anche festival e spettacoli dal vivo sono stati annullati. In tutto il mondo sono sempre stati organizzati concerti straordinari per festeggiare il Natale e soprattutto per attendere l’arrivo del nuovo anno. Questa volta non è immaginabile parteciparvi fisicamente, ma sarà possibile seguire e ammirare le esibizioni natalizie da casa. Sarà un’atmosfera diversa, ma questa organizzazione, grazie agli artisti, ci aiuterà a mantenere alto lo spirito del Natale e a superare un momento difficile per tutto il mondo. 

    Ilaria Stefania Arcamone

    IV A classico

  • FASHION REVOLUTION – LA RIVOLUZIONE DI ALESSANDRO MICHELE

    FASHION REVOLUTION – LA RIVOLUZIONE DI ALESSANDRO MICHELE

    In un’epoca in cui troppo spesso emerge la necessità di abbattere gli stereotipi legati al genere, l’azione del mondo della moda, ossia uno dei capisaldi mezzi di influenza su ogni tipo di generazione, che si parli della generazione Zeta o dei cosiddetti “boomers”, è da considerarsi fortemente importante quanto efficace. In questa prospettiva, un ruolo decisamente rivoluzionario ha avuto la Casa di Moda italiana Gucci, di estrema notorietà in tutto il mondo, sotto la recente direzione artistica di Alessandro Michele: da circa cinque anni, il Creative Director del brand ha attuato una vera e propria rivoluzione, riportando in alto il nome della famosa Maison, secondo un aspetto del tutto innovativo e di gran lunga funzionale per una società che sta cambiando. Per la prima volta nella storia della moda, le produzioni tipiche della passerella maschile e di quella femminile si sono incrociate, ponendo solide basi per un Fashion Show totalmente fuori dagli schemi: abiti e accessori dalle tinte forti e dai tessuti molto particolari, indossati indistintamente da donne e uomini senza seguire alcun canone legato al genere.

    Dunque, ciò che fino a una dozzina di anni prima poteva essere considerato quasi blasfemo, adesso viene innalzato come una forma di riscatto contro le discriminazioni legate al genere. Il messaggio che l’anarchico leader del marchio vuole comunicare è fortemente trasversale: ciò che indossi non ha genere. In particolare, ciò su cui punta Michele è la caduta degli stereotipi legati all’universo maschile, la cosiddetta mascolinità tossica, frutto di una società nettamente patriarcale in cui gli uomini sono costretti ad indossare “giacca e cravatta”, opprimendo il proprio estro e non potendo dare luce alle proprie peculiarità mediante i capi che indossano.

    Harry Styles e Alessandro Michele al Met Gala 2019

    Numerose personalità di spicco hanno aderito a questa rivoluzione, indossando in molteplici occasioni i capi neutral-gender del brand. Tra questi, artisti di fama globale molto influenti sulle nuove generazioni come la giovanissima Billie Eilish e l’ex componente degli One Direction, ora solista dalla medesima notorietà, Harry Styles; entrambi sono stati protagonisti dell’ultima geniale trovata di Alessandro Michele: per presentare l’ultima collezione Gucci, il Fashion Show è stato trasportato dalla passerella al piccolo schermo, realizzando un’originalissima miniserie ambientata in una dimensione differente in cui chiunque indossa con atteggiamento rilassato i capi caratteristici della Maison. Si tratta dello stesso atteggiamento rilassato e indifferente che Gucci suggerisce di assumere a chi veste neutral-gender: non aver timore di esprimere te stesso attraverso ciò che indossi poiché non esiste alcun canone che possa limitarti.

    Achille Lauro al Festival di Sanremo 2020

    Anche nel nostro Paese, la collaborazione tra Gucci e rilevanti celebrità del calibro di Achille Lauro gioca un ruolo fondamentale per abbattere gli stereotipi di genere, oltremodo radicati nella società contemporanea e nel genere musicale in cui l’artista si identifica. Un autentico spirito libero, esponente del pop-rap italiano, Achille Lauro è noto a tutte le generazioni per la sua straordinaria kermesse alla Settantesima edizione del famigerato Festival di Sanremo, in cui i protagonisti, oltre alla sua musica, sono stati proprio i particolarissimi capi disegnati da Alessandro Michele. Tale scelta non è stata affatto casuale: il messaggio che il famoso cantante ha inteso comunicare si pone proprio sulla scia di quello già affermato dal brand; si tratta dunque di una collaborazione che calza veramente a pennello. Creativo, anarchico ed estremamente sensibile, proprio come il Creative Director di Gucci, Achille Lauro rifiuta le convenzioni e risponde: “Sono fatto così, mi metto quel che voglio e mi piace: la pelliccia, gli occhiali glitterati sono da femmina? Allora sono una femmina!”.

    La rivoluzione di Alessandro Michele è solo l’inizio di un cambiamento che, pur lento, sta avvenendo in quella che fino a qualche tempo fa è stata la principale fabbrica di stereotipi legati al genere, il fashion world; un cambiamento di cui la generazione Zeta ha fortemente bisogno: la necessità di esprimere se stessi senza essere giudicati come appartenenti a una determinata categoria o un determinato genere.